Henri Cartier-Bresson
(22-8-1908 al 3-8-2004). Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.
Imagen a hurtadillas.
Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Real, 14 de octubre de 1949) es una fotógrafa española. Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca. Posteriormente ha realizado reportajes sobre tradiciones en diferentes países.
Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal.
Esta famosísima foto se convirtió en todo un símbolo de la resistencia contra el régimen comunista chino. El joven estudiante que permanece impertérrito en la plaza de Tiananmen, delante de los los tanques del ejercito chino. Instantes después se desataría una despiadada masacre contra los estudiantes que se manifestaban en la Plaza, sin embargo el protagonista de la imagen resultó, milagrosamente, ileso.
La foto del uno de los iconos más representativos del instantánea calificada por muchos como la foto más famosa del siglo XX es obra del fotógrafo cubano Alberto Korda y fue tomada en 1960, cuando Ernesto Guevara (El Che) tenía 31 años, en un entierro por las victimas de la explosión de “La Coubre”, un buque francés que fue objeto de sabotaje por parte de la CIA. Por cierto, casi más famosa resulta la ilustración en dos colores que realizó el artista irlandés Jim Fitzpatrick a partir de la fotografía de Korda.
Fue portada de la revista Life e inmortalizó el eufórico y espontáneo beso de un marinero a una enfermera en Nueva York, con motivo del fin de la Segunda Guerra Mundial. La enfermera es Edith Shain, quien falleció a los 91 años el 6 de Junio de 2010, sin embargo todavía hoy existe cierta polémica sobre el marinero que la besó, siendo Carl Muscarello y George Mendosa los que parecen más probables. Sea como fuere, ni el marinero ni la enfermera se conocían y después de la toma de esa fotografía jamás volvieron a verse.
Portada de la revista Life, durante mucho tiempo se pensó que fue tomada de forma espontánea, sin embargo sus protagonistas eran dos estudiantes de arte dramático a quienes, tras descubrirlos en un café de Paris, Robert Doisneau pidió que se besaran apasionadamente para ser fotografiados. Sin embargo, ello no es óbice para que la fotografía sea igual de magnífica y evocadora.
Escalofriante fotografía ganadora del Premio Pulitzer de 1994. Al parecer se trataba de un niño sudanés llamado Kong Nyong que estaba defecando cerca de un campamento de refugiados. En contra de la creencia popular (según la cual muchos tacharon al fotógrafo Kevin Carter de desalmado por no socorrer a la criatura), el niño sobrevivió hasta convertirse en adulto, falleciendo el año 2008 debido a la fiebre. Sea como fuere, meses más tarde Kevin Carter padeció una depresión lo llevó al suicidio.
Kim Phuc, la niña que aparece en la fotografía con el cuerpo desnudo y quemado a causa de un bombardeo de Napalm, fue rescatada por el mismo fotógrafo que la inmortalizó. Se recuperó de sus heridas, estudió medicina y actualmente es embajadora de buena voluntad de la UNESCO y fundadora de una organización humanitaria que lleva su nombre.
Muy utilizada para fotografiar pequeñas cosas (insectos, organismos microscópicos, flores, matices de la piel, etc). Para ello necesitamos un equipo especial, ya sea éste un objetivo especializado, o una serie de tubos de extensión o lentes de aproximación. Para hacer macrofotografía de forma barata se puede utilizar el objetivo de la cámara invertido, únicamente nos queda el foco que lo conseguiremos acercándonos o alejándonos del objeto a fotografiar.
El invertido del objetivo es el recurso (para este tipo de fotografía) más económico. Para utilizar este método se precisa de un anillo adaptador que tiene el propio fabricante de la cámara. Con este sistema perdemos los automatismos utilizados en las cámaras actuales, tanto en diafragma como en enfoque.
Las lentes de aproximación son cristales de lentes corregidas con diferente graduación que se enroscan delante del objetivo.
A pesar de que la fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en el buceo deportivo, e incluso una especialidad competitiva de la Federación Española de Actividades Subacuáticas (FEDAS), se trata de una especialidad fotográfica muy utilizada por diferentes ciencias entre las que cabe mencionar: arqueología subacuática, biología marina o de aguas continentales, ecología u oceanografía. Tres son las dificultades fotográficas que plantea el medio subacuático a los fotógrafos: la alta presión del medio que hace que los equipos fotográficos deban ser no sólo totalmente estancos sino resistentes a la presión, o bien protegidos en el interior de cajas estancas especiales; la falta de luz del entorno subacuático y el efecto de filtrado selectivo de los colores en la columna de agua, lo que hace que habitualmente se deban emplear complejos equipos de flash para restaurar la coloración original de los sujetos fotografiados; y la difracción del agua que hace que los objetivos fotográficos aumenten su longitud focal con respecto a la que tienen en la fotografía subaérea.
La fotografía aérea supone un análisis de la superficie terrestre mediante el empleo de máquinas fotográficas instaladas a bordo de diversos medios aéreos. Encuentra aplicaciones en el campo de la investigación arqueológica o geológica, así como en agricultura para recabar información sobre la naturaleza de los terrenos y la extensión de los cultivos, o en el campo militar para obtener información sobre objetivos estratégicos. En arqueología se utiliza como método de prospección del subsuelo para descubrir estructuras en el subsuelo sin necesidad de excavar.
Desde el comienzo del siglo XXI, la fotografía aérea desde aviones y helicópteros no tripulados (drones) vive un crecimiento notorio. Estos drones están generalmente equipados de herramientas de navegación (GPS, giroscopio, etc.). Sin embargo, son pocos los países que han establecido normas específicas para regular el vuelo de estas naves: el comportamiento de la autoridades frente al vuelo de drones varía en cada nación.
La fotografía orbital permite la obtención de imágenes de altura muy superior a aquellas propias de la fotografía aérea, de la cual constituye una extensión, mediante aparatos fotográficos situados sobre vehículos espaciales o satélites en órbita en torno a la Tierra. Entre sus varias aplicaciones cabe señalar los estudios meteorológicos, la investigación sobre la contaminación de los mares o sobre los recursos naturales, etc.
Las películas normales son sensibles a la luz ultravioleta. Uno de los métodos para realizar este tipo de fotografía consiste en utilizar una fuente de luz ultravioleta para iluminar al objeto, de forma que el objetivo de la cámara esté provisto de un filtro que permita únicamente el paso de esta luz. Otro método se sirve de la fluorescencia causada por la luz ultravioleta. El filtro del que está provista la cámara absorbe la luz ultravioleta y permite el paso de la fluorescente. Una importante aplicación de este tipo de fotografía es el estudio de documentos falsificados, ya que la luz ultravioleta detecta los rastros de escritura borrada.
Los plásticos y otros productos químicos que reaccionan a la luz ultravioleta sustituyen a la emulsión de haluros de plata de las películas normales en diversos procesos, para producir imágenes fotográficas con la gama ultravioleta del espectro.
En uno de estos procesos la superficie de sustancias plásticas expuestas a los rayos ultravioleta se endurece en proporción directa a la exposición, y la eliminación de las zonas no endurecidas hace surgir una imagen fotográfica.
En otros procesos se coloca una fina película de productos químicos entre las hojas de plástico. Estos productos químicos emiten burbujas de gas en cantidades proporcionales a la exposición recibida en la zona cuando se les expone a los rayos ultravioletas. Las burbujas crecen y se hacen visibles con la aplicación de calor en las hojas, creando así una transparencia en la que las burbujas de gas forman la imagen.
Otro tipo de plástico, al ser calentado, reacciona químicamente con las burbujas de gas, de modo que se obtiene en las hojas de plástico una imagen positiva con manchas. La película fotocromática, creada por la National Cash Register Company, utiliza un tinte sensible a la luz ultravioleta. Se pueden obtener enormes ampliaciones, ya que este tinte no posee estructura granular. Por ejemplo, se pueden conseguir ampliaciones de una película que contenga un libro entero en un espacio del tamaño de un sello o estampilla de correos.
Primer plano Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.
Primerísimo primer plano Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se puede estropear la captura.
Plano detalle Se emplea para destacar elementos específicos, con este tipo de plano se pueden lograr encuadres creativos y originales, requiere de mucha capacidad de observación por parte del fotógrafo. En este tipo de plano el acercamiento se maximiza para enfatizar ciertos elementos que de otra manera podrían pasar desapercibidos. No se debe confundir con fotografía macro.
Plano medio En este se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, y también se puede emplear para fotografiar a varias personas interactuando. Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite destacar la belleza de la persona.
Plano medio corto Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto, aunque en lo personal me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y consiste sencillamente en mostrar a la persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de su entorno.
Plano general Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo los elementos de una escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte.
Plano americano También conocido como plano tres cuartos, tiene su origen en las películas de western americanas, que se caracterizaban por sus encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere retratar a varias personas.
Según la situación de la cámara con respecto al objeto podemos distinguir tres tipos de ángulos:
ÁNGULO MEDIO O NATURAL
La cámara se sitúa a la altura de los ojos del personaje. Se utiliza para dar naturalidad a la escena.
ÁNGULO PICADO La acción se capta desde arriba, por encima de los personajes o de los objetos. Se utiliza para empequñecer o ridiculizar un personaje. Busca efectos de inferioridad, angustia y soledad.
ÁNGULO CONTRAPICADO La acción se capta desde abajo. La cámara se sitúa por debajo. Se utiliza para producir una sensación de superioridad, grandiosidad, soberbia o poderío.
ÁNGULO NADIR
La cámara se coloca completamente bajo el sujeto, de manera perpendicular al suelo. Aquí conseguimos un efecto más exagerado aún que con el ángulo picado. Conseguimos una perspectiva central, ya que las líneas tienden hacia el centro de la escena.
ÁNGULO CENITAL
Colocamos la cámara desde arriba, totalmente perpendicular al suelo. El ángulo cenital es muy usado en producciones cinematográficas o tomas desde helicóptero para grabar extensiones muy amplias. O los mapas por satélite son el ejemplo más representativo de ángulo cenital.
La regla de Horizonte indica que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria.
Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida a la composición en dos espacios significativamente diferenciados.
¿DONDE COLOCO EL HORIZONTE?
¿Cómo podemos saber dónde deberíamos colocar nuestro horizonte en la imagen según la regla de los tercios? Es tan fácil como saber a qué queremos darle importancia. Tenemos dos líneas que cruzan nuestra imagen. Así que tenemos, en principio, dos posibles posiciones para nuestro horizonte.
Colocar el horizonte en el tercio superior de la imagen. Lo usaremos cuando queramos que los ojos de aquel que vea la imagen se centren en la parte inferior de esta, es decir, en el paisaje. Al colocar el horizonte en el tercio superior, la tierra ocupará más espacio dentro del cuadro y, por lo tanto, le estaremos dando más importancia
Colocar el horizonte en el tercio inferior de la imagen. Nos servirá cuando queramos darle más importancia al cielo, las nubes o cualquier fenómeno meteorológico o sujeto áereo que tengamos delante. Al colocar el horizonte en el tercio inferior, el cielo será lo que más espacio ocupe dentro del encuadre, así que la mirada de aquel que vea la fotografía irá directa hacia él.
La regla de la mirada es una de las principales reglas de composición fotográfica y consiste, simplemente, en respetar la dirección en la que el modelo de nuestro retrato mira. Es decir, en otras palabras, que a la hora de encuadrar un retrato, deberíamos dejar más espacio por delante del sujeto que por detrás de éste, independientemente de lo amplio o estrecho que sea el encuadre general o del resto de elementos que acompañen a nuestro sujeto en la imagen.
¿Qué se consigue haciendo esto?
Se consigue darle fuerza expresiva al personaje que aparece en nuestra imagen. Respetando su mirada conseguiremos dotar de interés la acción que hace el protagonista, la acción de mirar. Si respetamos esta básica regla de composición, llamaremos la atención de todo aquel que vea la imagen sobre qué es lo que el sujeto está mirando y, si la composición de nuestra fotografía está bien realizada, conseguiremos que el espectador de la imagen siga ese espacio, en busca de lo que está mirando el personaje de la imagen, aunque esto no aparezca en la fotografía.
La regla de los tercios es una forma de composición para ordenar objetos dentro de la imagen. Esta regla divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y equiespaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical, y recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena. La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, paisajes o bodegones.
Aplicación práctica.
Como consecuencia de la Regla de los Tercios aparece una regla muy aplicada en los paisajes y es que se aconseja colocar el horizonte en la línea situada a 1/3 o en la situada a 2/3, según se quiera potenciar la tierra o el cielo respectivamente.
Veamos unos ejemplos:
En la mayoría de las máquinas digitales el punto de enfoque suele estar por defecto en el centro de la imagen. Este es el caso; enfoque al caballo y el sujeto principal lo dejamos donde no debería estar.
La solución está en mover la cámara y colocar el sujeto en uno de los puntos de intersección de la línea de los tercios.
La foto final, después hacer algún arreglo en la saturación de la hierba y en el enfoque nos ha quedado así.
El porqué he elegido ese punto de intersección, pues no lo sé exactamente, seguramente tiene que ver con que si el caballo se pone a andar irá en la dirección donde le he dejado mas espacio para correr.
Saber mirar es algo que resulta difícil en fotografía pero a la vez indispensable para obtener buenas fotografías. Para ello se requiere sobre todo aprender a mirar. ¿Para qué queremos hacer buenas fotos? Pues para que sean aceptadas por el público en general.
Aunque las normas en fotografía estén para saltárselas, cuando uno lo crea oportuno, existen unas reglas que ayudan a dar expresividad a una fotografía.
Componer es organizar las formas dentro del espacio visual disponible, con sentido de unidad, de forma que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado
LA COMPOSICIÓN DE UNA IMAGEN, REGLAS
Entre dichas normas están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista, tamaño y escala, textura, forma y situación. Factores que forman un todo en la foto. No todos tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que participen en cada una concreta, deben hacerlo de manera conjunta.
Lo expresivo de una foto, no son los detalles, sinó su efectismo, el cual no puede tener el mismo significado para todo el mundo, porque las personas no son todas iguales, pero si es efectiva, siempre encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.
Otro de los factores más importantes que conforman el conjunto de la fotografía, es la composición, selección y disposición de sujetos, en el área de la imagen fotográfica, dando como resultado la capacidad para comunicar algo
COMPONER ES CREAR.
Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la composición.
La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en ella.
En esencia la composición es, como se ha indicado, la selección y colocación de objetos en el área fotografiada. Pero la experiencia enseña muchas cosas al respecto, cuando mire a través del visor, procure ver la fotografía que hay realmente y no otra que haya visto antes. En cambio, intente seguir experiencias nuevas y buscar las formas más expresivas de mostrarlas a los demás.
Hacer una fotografía o fotografiar a los niños, a los animales domésticos y salvajes dentro de su hábitat, el tiempo de espera, el camuflaje y la paciencia para plasmar toda su espontaneidad en el momento justo y preciso, no resulta una tarea fácil.
Captar en nuestro fotograma los diferentes efectos metereológicos, el hielo, la nieve, la subida de las olas en el mar, el movimiento de un deportista en un salto, requieren un cierto tiempo de exposición, enfoque y determinados elementos a tener en cuenta, para recoger todo aquello que tenemos en nuestro campo visual.
En esta sección trataremos de definir como fotografiar uno de estos elementos.
FOTOGRAFIAR PAISAJES.
Fotografiar paisajes no resulta demasiada dificultad técnica, más bien creatividad y muy importante a considerar es el encuadre, la luz, las condiciones atmosféricas y las variaciones cromáticas.
Un paisaje singular viene por el contraste de los colores, y armonía de sus curvas, convergencia de las líneas, la perfecta combinación de formas y colores. La repetición rítmica de los elementos también los hacen muy particulares.Las mejores estaciones influyen sobre una imagen. La primavera lso colores son brillantísimos, mientras que en verano la vegetación se seca y conviente por tanto aprovechar las horas de la mañana cuando el rocío intensifica los colores.
FOTOS DE PAISAJES OTOÑALES.
El otoño el paisaje asume tonalidades cálidas y doradas, en esta estación se pueden realizar tomas espectaculares. Las mejores condiones de luz se encuentran por la mañana antes de las once y por la tarde después de las tres. La luz tiene una angualción que ilumina los contornos, como la superficie de los objetos.
FOTOGRAFIAR PAISAJES IVERNALES.
El invierno, con sus días fríos, favorece la fotografía de extensos paisajes.
Técnicamente sólo hay que tener en cuenta:
La apertura de diafragma ha de ser pequeña (número f alto), para obtener una profundidad de campo y ver nítida toda las escena.
Distancia focal pequeña (zoom bajo), para obtener imágenes panorámicas. Es además más sencillo enfocar si tenemos objetos intermedios.
Aplicar la regla 1/3 - 2/3 para situar el horizonte en los tercios de la fotografía. Hay casos, por ejemplo con reflejos en lagos (imagen derecha), en los que no se tiene porqué utilizar esta regla.
Aquí os dejo un video de fotos de paisajes y animales.
El laboratorio fotográfico debe reunir una condición muy importante, la ausencia total de luz y muy buena ventilación. Es aconsejable mantener una temperatura de unos 20 a 22 ºC.
El laboratorio se encuentra dividido por una zona húmeda y otra seca. En la parte húmeda se colocarán las cubetas y los tanques para el proceso de revelado. En la zona seca del laboratorio es donde se manejará el papel fotográfico, negativos etc. para el posterior positivado.
La lámpara que instalaremos en la cubeta de revelado deberá emitir una luz de color rojo o verdoso sin que esta llegue a perjudicar el papel fotográfico proporcionándonos al mismo tiempo la visión suficiente. Nunca colocaremos una lámpara con luz blanca, porque ésta velaría los negativos, dejándolos inservibles.
Equipo de laboratorio: Utensilios
En el proceso de revelado intervienen varios utensilios, entre ellos podemos definir los siguientes:
Cubetas: Se emplean para el revelado, baño intermedio, paro y fijado.
Botellas: Se utilizan para la conservación de los productos químicos que intervienen en el proceso de revelado. Algunos de estos productos se oxidan al tener contacto con el aire.
Papel fotográfico: Es un papel especial en el que se ha impregnado la emulsión fotosensible.
Pinzas: Se utilizan para poder colgar la película mojada revelada hasta que se seque
Reloj: Se utiliza para medir con exactitud el tiempo de revelado y el de la fase de exposición del positivado. Debe funcionar con extrema precisión.
Probetas y embudos: Se utilizan para medir las sustancias químicas que se mezclan, estos, pueden ser de ser de cristal o de plástico.
Tijeras: Para recortar las tiras de la película.
Termómetro: Se utiliza para medir los baños químicos que se realizan en el laboratorio
Soluciones para revelado: Son los diferentes productos químicos que se emplean para el proceso de revelado (reveladores para película y formato en papel y el fijador )
El tanque de revelado: Es un instrumento de forma cilíndrica en el cual se introduce la película para revelar
Diferencias revelado b/n y en color
Diferencias del revelado del negativo en color al de blanco y negro:
El proceso del revelado del negativo en color es más costoso que el proceso del negativo en blanco y negro, ya que en este se precisan unos filtros de color para controlar el equilibrio cromático de cada negativo, para obtener mejores resultados.
El negativo de color debe exponerse a dos métodos de color, el método substractivo y el filtraje aditivo.
Este proceso se debe de realizar con sumo cuidado debido a la alta precisión tanto en temperatura como en tiempo exposición. En lo que se refiere a los utensilios de laboratorio, incluiríamos aparte de los definidos en el de blanco y negro; Filtros para la ampliadora, cabezal de color, analizadores de color, portafiltros, tambor de procesado.
El proceso de revelado del negativo en color dependerá también de la película que se haya utilizado.
Deberemos mantener la temperatura de los compuestos químicos, ya que estos no deben sobrepasar los 38ºC, temperatura, que en verano resulta difícil de estabilizar.
Los pasos a seguir para el tratamiento del negativo en color:
Primero aplicaremos el revelador en color, este crea la imagen latente de cada estrato.
En segundo lugar, aplicaremos el blanqueo para que elimine las partículas metálicas.
Un primer baño
Aplicación del fijado
Lavado.
Proceso de estabilización se encarga de reducir la decoloración de los tonos de la imagen.
La fotografía estereoscópica permite crear la ilusión de profundidad en una imagen a partir de dos imágenes bidimensionales que se han obtenido con un pequeño desplazamiento horizontal, similar a la forma en la que captamos la realidad. Nuestros ojos están separados uno del otro, aproximadamente, 65 mm, por lo que cada ojo ve una imagen. Es el cerebro el que se encarga de mezclar las dos imágenes creando el efecto de profundidad calculando la distancia a la que se encuentran los objetos mediante la técnica del paralaje
Así, una forma sencilla de conseguir fotografías tridimensionales 3D es realizando dos imágenes, separadas horizontalmente la distancia entre nuestros ojos. Si no contamos con una cámara especial con dos objetivos o con dos cámaras iguales unidas con disparo sincronizado podemos usar nuestra cámara habitual desplazándola lateralmente para la segunda foto. El primer sistema permite tomar fotografías a partir de 1’5 metros, mientras que el segundo es para paisajes, a partir de 3 metros.
Nuestro sistema, más rudimentario, se puede emplear para elementos estáticos o paisajes lejanos, en los que los cambios entre las dos fotografías sean prácticamente imperceptibles.
Las variaciones verticales son indiferentes en lo que respecta a creación de sensación de volumen (a no ser que esta diferencia sea demasiado grande, en cuyo caso crearían visión doble o desorientación). Solo las variaciones horizontales, producidas por la diferente ubicación de los ojos, resultan en sensación de profundidad.
Para que el cerebro codifique la imagen que corresponde a cada ojo por su diferente paralaje, produciéndose entonces el efecto de profundidad, debemos utilizar un visor anaglifo, o unas gafas especiales polarizadas.
Hablando en términos de óptica podemos decir que enfocar es hacer coincidir los rayos de luz que inciden en la cámara en un punto llamado foco, que a su vez coincidirá con el sensor de la cámara
Las cámaras antiguas sólo permitían autoenfocar en el centro de la escena. Sin embargo las cámaras DSLR actuales disponen de varios puntos donde pueden enfocar. Esto facilita enfocar cuando nuestro sujeto no está centrado en la imagen, como en la siguiente imagen.
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Metodos de enfoque:
Teniendo en cuenta que a menudo los objetos se mueven, las cámaras DSLR actuales tienen eso en cuenta y nos permiten varios métodos de enfoque que podemos configurar. Si no sabías esto probablemente ahora mismo estés pensando en leer el manual de tu cámara, y si no deberías hacerlo.
Auto-focus simple: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el enfoque queda bloqueado hasta que disparas. La cámara sólo enfoca una vez. Este método se utiliza para fotografías estáticas e instantáneas.
Auto-focus AI Foco: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el sujeto queda enfocado y si éste se mueve de repente la cámara re-enfoca. Este modo se utiliza para motivos que se muevan de forma impredecible, como niños, animales, etc…
Auto-focus AI Servo: Consiste en que mientras se apriete el botón de disparo la cámara enfoca continuamente. Es un método muy útil cuando el sujeto se mueve constantemente, como deportes.
¿Qué es la distancia hiperfocal?
La Distancia Hiperfocal es la distancia a la que conseguimos mayor zona enfocada en la imagen; es decir, mayor profundidad de campo en la escena. Esta es una de sus definiciones clásicas:
“Es la distancia que existe entre el objetivo y el punto más próximo de foco aceptablemente nítido, cuando el objetivo está enfocando hacia el infinito. Cuando lo está para la distancia hiperfocal, la profundidad de campo se extiende desde la mitad de esta distancia hasta el infinito”.
