Plano general Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo los elementos de una escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte.
Plano americano También conocido como plano tres cuartos, tiene su origen en las películas de western americanas, que se caracterizaban por sus encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere retratar a varias personas.
Según la situación de la cámara con respecto al objeto podemos distinguir tres tipos de ángulos:
ÁNGULO MEDIO O NATURAL
La cámara se sitúa a la altura de los ojos del personaje. Se utiliza para dar naturalidad a la escena.
ÁNGULO PICADO La acción se capta desde arriba, por encima de los personajes o de los objetos. Se utiliza para empequñecer o ridiculizar un personaje. Busca efectos de inferioridad, angustia y soledad.
ÁNGULO CONTRAPICADO La acción se capta desde abajo. La cámara se sitúa por debajo. Se utiliza para producir una sensación de superioridad, grandiosidad, soberbia o poderío.
ÁNGULO NADIR
La cámara se coloca completamente bajo el sujeto, de manera perpendicular al suelo. Aquí conseguimos un efecto más exagerado aún que con el ángulo picado. Conseguimos una perspectiva central, ya que las líneas tienden hacia el centro de la escena.
ÁNGULO CENITAL
Colocamos la cámara desde arriba, totalmente perpendicular al suelo. El ángulo cenital es muy usado en producciones cinematográficas o tomas desde helicóptero para grabar extensiones muy amplias. O los mapas por satélite son el ejemplo más representativo de ángulo cenital.
La regla de Horizonte indica que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria.
Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida a la composición en dos espacios significativamente diferenciados.
¿DONDE COLOCO EL HORIZONTE?
¿Cómo podemos saber dónde deberíamos colocar nuestro horizonte en la imagen según la regla de los tercios? Es tan fácil como saber a qué queremos darle importancia. Tenemos dos líneas que cruzan nuestra imagen. Así que tenemos, en principio, dos posibles posiciones para nuestro horizonte.
Colocar el horizonte en el tercio superior de la imagen. Lo usaremos cuando queramos que los ojos de aquel que vea la imagen se centren en la parte inferior de esta, es decir, en el paisaje. Al colocar el horizonte en el tercio superior, la tierra ocupará más espacio dentro del cuadro y, por lo tanto, le estaremos dando más importancia
Colocar el horizonte en el tercio inferior de la imagen. Nos servirá cuando queramos darle más importancia al cielo, las nubes o cualquier fenómeno meteorológico o sujeto áereo que tengamos delante. Al colocar el horizonte en el tercio inferior, el cielo será lo que más espacio ocupe dentro del encuadre, así que la mirada de aquel que vea la fotografía irá directa hacia él.
La regla de la mirada es una de las principales reglas de composición fotográfica y consiste, simplemente, en respetar la dirección en la que el modelo de nuestro retrato mira. Es decir, en otras palabras, que a la hora de encuadrar un retrato, deberíamos dejar más espacio por delante del sujeto que por detrás de éste, independientemente de lo amplio o estrecho que sea el encuadre general o del resto de elementos que acompañen a nuestro sujeto en la imagen.
¿Qué se consigue haciendo esto?
Se consigue darle fuerza expresiva al personaje que aparece en nuestra imagen. Respetando su mirada conseguiremos dotar de interés la acción que hace el protagonista, la acción de mirar. Si respetamos esta básica regla de composición, llamaremos la atención de todo aquel que vea la imagen sobre qué es lo que el sujeto está mirando y, si la composición de nuestra fotografía está bien realizada, conseguiremos que el espectador de la imagen siga ese espacio, en busca de lo que está mirando el personaje de la imagen, aunque esto no aparezca en la fotografía.
La regla de los tercios es una forma de composición para ordenar objetos dentro de la imagen. Esta regla divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y equiespaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical, y recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena. La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, paisajes o bodegones.
Aplicación práctica.
Como consecuencia de la Regla de los Tercios aparece una regla muy aplicada en los paisajes y es que se aconseja colocar el horizonte en la línea situada a 1/3 o en la situada a 2/3, según se quiera potenciar la tierra o el cielo respectivamente.
Veamos unos ejemplos:
En la mayoría de las máquinas digitales el punto de enfoque suele estar por defecto en el centro de la imagen. Este es el caso; enfoque al caballo y el sujeto principal lo dejamos donde no debería estar.
La solución está en mover la cámara y colocar el sujeto en uno de los puntos de intersección de la línea de los tercios.
La foto final, después hacer algún arreglo en la saturación de la hierba y en el enfoque nos ha quedado así.
El porqué he elegido ese punto de intersección, pues no lo sé exactamente, seguramente tiene que ver con que si el caballo se pone a andar irá en la dirección donde le he dejado mas espacio para correr.
Saber mirar es algo que resulta difícil en fotografía pero a la vez indispensable para obtener buenas fotografías. Para ello se requiere sobre todo aprender a mirar. ¿Para qué queremos hacer buenas fotos? Pues para que sean aceptadas por el público en general.
Aunque las normas en fotografía estén para saltárselas, cuando uno lo crea oportuno, existen unas reglas que ayudan a dar expresividad a una fotografía.
Componer es organizar las formas dentro del espacio visual disponible, con sentido de unidad, de forma que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado
LA COMPOSICIÓN DE UNA IMAGEN, REGLAS
Entre dichas normas están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista, tamaño y escala, textura, forma y situación. Factores que forman un todo en la foto. No todos tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que participen en cada una concreta, deben hacerlo de manera conjunta.
Lo expresivo de una foto, no son los detalles, sinó su efectismo, el cual no puede tener el mismo significado para todo el mundo, porque las personas no son todas iguales, pero si es efectiva, siempre encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.
Otro de los factores más importantes que conforman el conjunto de la fotografía, es la composición, selección y disposición de sujetos, en el área de la imagen fotográfica, dando como resultado la capacidad para comunicar algo
COMPONER ES CREAR.
Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la composición.
La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en ella.
En esencia la composición es, como se ha indicado, la selección y colocación de objetos en el área fotografiada. Pero la experiencia enseña muchas cosas al respecto, cuando mire a través del visor, procure ver la fotografía que hay realmente y no otra que haya visto antes. En cambio, intente seguir experiencias nuevas y buscar las formas más expresivas de mostrarlas a los demás.
Hacer una fotografía o fotografiar a los niños, a los animales domésticos y salvajes dentro de su hábitat, el tiempo de espera, el camuflaje y la paciencia para plasmar toda su espontaneidad en el momento justo y preciso, no resulta una tarea fácil.
Captar en nuestro fotograma los diferentes efectos metereológicos, el hielo, la nieve, la subida de las olas en el mar, el movimiento de un deportista en un salto, requieren un cierto tiempo de exposición, enfoque y determinados elementos a tener en cuenta, para recoger todo aquello que tenemos en nuestro campo visual.
En esta sección trataremos de definir como fotografiar uno de estos elementos.
FOTOGRAFIAR PAISAJES.
Fotografiar paisajes no resulta demasiada dificultad técnica, más bien creatividad y muy importante a considerar es el encuadre, la luz, las condiciones atmosféricas y las variaciones cromáticas.
Un paisaje singular viene por el contraste de los colores, y armonía de sus curvas, convergencia de las líneas, la perfecta combinación de formas y colores. La repetición rítmica de los elementos también los hacen muy particulares.Las mejores estaciones influyen sobre una imagen. La primavera lso colores son brillantísimos, mientras que en verano la vegetación se seca y conviente por tanto aprovechar las horas de la mañana cuando el rocío intensifica los colores.
FOTOS DE PAISAJES OTOÑALES.
El otoño el paisaje asume tonalidades cálidas y doradas, en esta estación se pueden realizar tomas espectaculares. Las mejores condiones de luz se encuentran por la mañana antes de las once y por la tarde después de las tres. La luz tiene una angualción que ilumina los contornos, como la superficie de los objetos.
FOTOGRAFIAR PAISAJES IVERNALES.
El invierno, con sus días fríos, favorece la fotografía de extensos paisajes.
Técnicamente sólo hay que tener en cuenta:
La apertura de diafragma ha de ser pequeña (número f alto), para obtener una profundidad de campo y ver nítida toda las escena.
Distancia focal pequeña (zoom bajo), para obtener imágenes panorámicas. Es además más sencillo enfocar si tenemos objetos intermedios.
Aplicar la regla 1/3 - 2/3 para situar el horizonte en los tercios de la fotografía. Hay casos, por ejemplo con reflejos en lagos (imagen derecha), en los que no se tiene porqué utilizar esta regla.
Aquí os dejo un video de fotos de paisajes y animales.
El laboratorio fotográfico debe reunir una condición muy importante, la ausencia total de luz y muy buena ventilación. Es aconsejable mantener una temperatura de unos 20 a 22 ºC.
El laboratorio se encuentra dividido por una zona húmeda y otra seca. En la parte húmeda se colocarán las cubetas y los tanques para el proceso de revelado. En la zona seca del laboratorio es donde se manejará el papel fotográfico, negativos etc. para el posterior positivado.
La lámpara que instalaremos en la cubeta de revelado deberá emitir una luz de color rojo o verdoso sin que esta llegue a perjudicar el papel fotográfico proporcionándonos al mismo tiempo la visión suficiente. Nunca colocaremos una lámpara con luz blanca, porque ésta velaría los negativos, dejándolos inservibles.
Equipo de laboratorio: Utensilios
En el proceso de revelado intervienen varios utensilios, entre ellos podemos definir los siguientes:
Cubetas: Se emplean para el revelado, baño intermedio, paro y fijado.
Botellas: Se utilizan para la conservación de los productos químicos que intervienen en el proceso de revelado. Algunos de estos productos se oxidan al tener contacto con el aire.
Papel fotográfico: Es un papel especial en el que se ha impregnado la emulsión fotosensible.
Pinzas: Se utilizan para poder colgar la película mojada revelada hasta que se seque
Reloj: Se utiliza para medir con exactitud el tiempo de revelado y el de la fase de exposición del positivado. Debe funcionar con extrema precisión.
Probetas y embudos: Se utilizan para medir las sustancias químicas que se mezclan, estos, pueden ser de ser de cristal o de plástico.
Tijeras: Para recortar las tiras de la película.
Termómetro: Se utiliza para medir los baños químicos que se realizan en el laboratorio
Soluciones para revelado: Son los diferentes productos químicos que se emplean para el proceso de revelado (reveladores para película y formato en papel y el fijador )
El tanque de revelado: Es un instrumento de forma cilíndrica en el cual se introduce la película para revelar
Diferencias revelado b/n y en color
Diferencias del revelado del negativo en color al de blanco y negro:
El proceso del revelado del negativo en color es más costoso que el proceso del negativo en blanco y negro, ya que en este se precisan unos filtros de color para controlar el equilibrio cromático de cada negativo, para obtener mejores resultados.
El negativo de color debe exponerse a dos métodos de color, el método substractivo y el filtraje aditivo.
Este proceso se debe de realizar con sumo cuidado debido a la alta precisión tanto en temperatura como en tiempo exposición. En lo que se refiere a los utensilios de laboratorio, incluiríamos aparte de los definidos en el de blanco y negro; Filtros para la ampliadora, cabezal de color, analizadores de color, portafiltros, tambor de procesado.
El proceso de revelado del negativo en color dependerá también de la película que se haya utilizado.
Deberemos mantener la temperatura de los compuestos químicos, ya que estos no deben sobrepasar los 38ºC, temperatura, que en verano resulta difícil de estabilizar.
Los pasos a seguir para el tratamiento del negativo en color:
Primero aplicaremos el revelador en color, este crea la imagen latente de cada estrato.
En segundo lugar, aplicaremos el blanqueo para que elimine las partículas metálicas.
Un primer baño
Aplicación del fijado
Lavado.
Proceso de estabilización se encarga de reducir la decoloración de los tonos de la imagen.
La fotografía estereoscópica permite crear la ilusión de profundidad en una imagen a partir de dos imágenes bidimensionales que se han obtenido con un pequeño desplazamiento horizontal, similar a la forma en la que captamos la realidad. Nuestros ojos están separados uno del otro, aproximadamente, 65 mm, por lo que cada ojo ve una imagen. Es el cerebro el que se encarga de mezclar las dos imágenes creando el efecto de profundidad calculando la distancia a la que se encuentran los objetos mediante la técnica del paralaje
Así, una forma sencilla de conseguir fotografías tridimensionales 3D es realizando dos imágenes, separadas horizontalmente la distancia entre nuestros ojos. Si no contamos con una cámara especial con dos objetivos o con dos cámaras iguales unidas con disparo sincronizado podemos usar nuestra cámara habitual desplazándola lateralmente para la segunda foto. El primer sistema permite tomar fotografías a partir de 1’5 metros, mientras que el segundo es para paisajes, a partir de 3 metros.
Nuestro sistema, más rudimentario, se puede emplear para elementos estáticos o paisajes lejanos, en los que los cambios entre las dos fotografías sean prácticamente imperceptibles.
Las variaciones verticales son indiferentes en lo que respecta a creación de sensación de volumen (a no ser que esta diferencia sea demasiado grande, en cuyo caso crearían visión doble o desorientación). Solo las variaciones horizontales, producidas por la diferente ubicación de los ojos, resultan en sensación de profundidad.
Para que el cerebro codifique la imagen que corresponde a cada ojo por su diferente paralaje, produciéndose entonces el efecto de profundidad, debemos utilizar un visor anaglifo, o unas gafas especiales polarizadas.
Hablando en términos de óptica podemos decir que enfocar es hacer coincidir los rayos de luz que inciden en la cámara en un punto llamado foco, que a su vez coincidirá con el sensor de la cámara
Las cámaras antiguas sólo permitían autoenfocar en el centro de la escena. Sin embargo las cámaras DSLR actuales disponen de varios puntos donde pueden enfocar. Esto facilita enfocar cuando nuestro sujeto no está centrado en la imagen, como en la siguiente imagen.
Añadir leyenda
Metodos de enfoque:
Teniendo en cuenta que a menudo los objetos se mueven, las cámaras DSLR actuales tienen eso en cuenta y nos permiten varios métodos de enfoque que podemos configurar. Si no sabías esto probablemente ahora mismo estés pensando en leer el manual de tu cámara, y si no deberías hacerlo.
Auto-focus simple: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el enfoque queda bloqueado hasta que disparas. La cámara sólo enfoca una vez. Este método se utiliza para fotografías estáticas e instantáneas.
Auto-focus AI Foco: Consiste en que al apretar el botón de disparo levemente el sujeto queda enfocado y si éste se mueve de repente la cámara re-enfoca. Este modo se utiliza para motivos que se muevan de forma impredecible, como niños, animales, etc…
Auto-focus AI Servo: Consiste en que mientras se apriete el botón de disparo la cámara enfoca continuamente. Es un método muy útil cuando el sujeto se mueve constantemente, como deportes.
¿Qué es la distancia hiperfocal?
La Distancia Hiperfocal es la distancia a la que conseguimos mayor zona enfocada en la imagen; es decir, mayor profundidad de campo en la escena. Esta es una de sus definiciones clásicas:
“Es la distancia que existe entre el objetivo y el punto más próximo de foco aceptablemente nítido, cuando el objetivo está enfocando hacia el infinito. Cuando lo está para la distancia hiperfocal, la profundidad de campo se extiende desde la mitad de esta distancia hasta el infinito”.
Encuadre y composición van necesariamente unidos, y en función de estos, obtendremos distintas interpretaciones de un mismo tema. Por ello el fotógrafo ha de poner un especial énfasis, ya que dirá mucho de él y de su forma de ver las cosas.
El encuadre consiste básicamente en determinar los límites de la propia foto, pero una vez realizada esa tarea queda por decidir como queremos que aparezcan los elementos que hemos escogido, y eso es la composición. Así un mismo motivo nos podrá causar diferentes impresiones con tan solo realizar cambios en el punto de vista (elevado, centrado o a ras de suelo). Se trata en definitiva de tener el control total sobre lo que debe, y no debe, y como debe aparecer.
Regla de los tercios:
Posiblemente la norma más extendida es la regla de los tercios como búsqueda de un encuadre perfecto. Como su nombre indica, consiste en dividir el formato de la fotografía en tercios, dibujando dos líneas verticales y dos horizontales imaginarias, tal y como se indica en la figura siguiente.
Los bordes:
Los límites de la fotografía son los bordes de ésta, y en función de esos bordes podremos percibir espacio (foto 1) -bordes libres- o opresión (foto 2) -bordes enmarcados-, al igual que podemos enmarcar un motivo para añadirle fuerza o protagonismo (foto 3).
foto1
foto2
foto 3
La perspectiva:
Es la encargada de dar a los objetos que estén representados profundidad. En definitiva, la perspectiva es lo que dará sensación tridimensional a nuestras fotografías, ya que éstas son el resultado de la combinación de tonalidades distribuidas únicamente en dos dimensiones, así que la sensación de tres dimensiones -alto, ancho y profundidad- es una ilusión óptica. Cuanto más plana sea la foto -falta de profundidad- menos capacidad tendrá de transmitir sensación de realidad.
El punto de vista:
Es un elemento que podemos utilizar para modificar la sensación e interpretación de un mismo motivo -aunque forme parte de la perspectiva-. Básicamente podemos dividir los puntos de vista en: normal -fotos realizadas a la altura de los ojos del fotógrafo-, elevado (picado) -foto hecha a mayor altura que el motivo- y bajo (contrapicado) -foto a menor altura que el motivo, un claro ejemplo sería a ras de suelo-.
La fotografía analógica es aquella donde el proceso es de grabar imágenes fijas sobre una superficie de material sensible a la luz
esta se basa en procedimientos físico-químicos para la obtención y el procesado de las imágenes mientras que las imágenes digitales están formadas por pixeles lo que permite conseguir que sean tan pequeños que dejen apreciarse y son más factibles de obtenerlas a través de cámaras digitales, scanner, teléfonos entre otros dispositivos.
Una de las ventajas que tiene la imagen digital ante la analógica es que esta es por naturaleza, económica, además de que es de fácil duplicación, y puede ser de acceso simultáneo. No se gasta en materiales en su producción como en la analógica.
La imagen digital permite que se elija la mejor y borrar las que no se consideren necesarias además son factibles para enviarlas por correo electrónico publicarlas en sitios web etc, también puede ser sometida a cambios incluso darles una mejor apariencia que la original, se puede conseguir su réplica cuantas veces se requiera.
Pero la tradicional le supera en tomar fotografías con detalles, estas sólo se las pueden llevar a un computador realizando un scanner, además de que estas consumen menos energía.
La imagen digital posee varias características ante la análoga por ejemplo el color que es el que le da la esencia de vida a través de los componentes rojo, verde y azul, la resolución de la imagen que la que hace referencia a la nitidez, el tamaño que es el que describe sus dimensiones físicas.
Se podría decir que con la llegada de la imagen digital se ha ganado inmediatez al momento de capturar una imagen poder apreciar cada detalles (PUCTUM) de la fotografía mientras que se puede haber el arte la cultura y el gusto (STUDIUM) en la forma de tomar una fotografía.
Además al utilizar la imagen digital estamos ahorrando tiempo y dinero debido a que en la actualidad los aparatos tecnológicos permiten que los usuarios aprendan a manipularlas con facilidad y se puede obtener la fotografía al instante.
El primer fotógrafo fue Joseph Nicéphore Niépce en el año 1826, utilizando una cámara hecha de madera fabricada por Charles y Jacques Vicent Louis Chevalier en París. Sin embargo, aunque se considera "oficialmente" que este fue el nacimiento de la fotografía, la invención de la cámara oscura es como la anterior. Pero no fue hasta la invención de la fotografía que se pudieron fijar permanentemente las imágenes; mientras tanto se tenían que dibujar manualmente las imágenes.
La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un orificio muy pequeño en una de la paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orificio, proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta; la imagen resultaba invertida y borrosa. Leonardo Da Vinci definió una cámara oscura. Decía que si se coloca una hoja de papel en blanco verticalmente en una habitación oscura, el observador verá proyectada en ella los objetos del exterior, con sus formas y colores. "Parecerá como si estuvieran pintados en el papel", escribió. Luego se descubrió que la luz causaba un ennegrecimiento. Los científicos británicos Thomas Wedgwood y sir Humphry Davy comenzaron sus experimentos para obtener imágenes fotográficas. Estas fotos no eran permanentes ya que después de exponerlas a la luz, toda la superficie del papel se ennegrecía.
El agujero de la cámara oscura es considerado como el primer objetivo, ya que permite hacer pasar por él la luz proveniente de una escena exterior y la proyecta sobre las paredes interiores o sobre un lienzo.
Posteriormente, este agujero fue sustituido por una lente esférica, que concentraba una mayor cantidad de rayos en un mismo punto; a pesar de la ventaja de la cantidad de luz, una lente tiene diversas desventajas: Al estar conformado como un prisma, posee la desventaja de dispersar la luz, lo cual es conocido como aberración cromática; además, de ello, la superficie esférica de una lente no es la forma ideal para hacer converger los haces de luz en un solo punto; esto es conocido como aberración esférica.
Charles Chevalier desarrolló el sistema conocido como doblete acromático, el cual corrige la aberración cromática mediante el uso de dos lentes, de distinto nivel de refracción pero de igual nivel de dispersión; El siguiente adelanto vendría de la mano de József Miksa Petzval, quien optó por un diseño con varios lentes cóncavos y convexos, que trabajando en conjunto corrigen las aberraciones ópticas de mejor manera y permiten una mejor apertura.
Una imagen no es más que la huella de la luz reflejada por los objetos. Por lo tanto, la fotografía es el resultado de la impresión de la luz que un motivo refleja en la emulsión de una película o en el sensor digital de la cámara.
Sin la luz, la fotografía no podría existir.
El ojo humano percibe la luz como una pequeña porción del espectro electromagnético. La luz blanca se encuentra formada por todas las longitudes de onda de los colores. Los objetos absorben una parte de los colores del espectro y reflejan otros que son los que perciben nuestros ojos y nuestra cámara.
Las longitudes de onda visibles para el ojo humano del espectro van desde 400 a 700 nanómetros (1 nanómetro = 1 millonésima de milímetro) lo que es una parte muy pequeña del espectro electromagnético. La banda ultravioleta de radiación se extiende por debajo de los 390 Nm y la infrarroja por encima de los 760 Nm. Por esto, no vemos los rayos infrarojos y ultravioletas.
